LA COMPOSICION

 

  
   Los encuadres que haces con tu cámara, son tu lienzo y debes de llenarlo de objetos de la historia que estas contando, poner cosas que mantengan a los que lo vean interesados en la misma, a eso llamamos composición.

   La composición es el arte de colocar objetos en un cuadro, existen formas y alineamientos que son muy atrayentes de la vista de las personas, pero la composición de las películas también necesitan contar algo, la colocación de objetos, actores e iluminación enfatizan tu historia al espectador, en las grandes producciones de Hollywood , el director tiene como retroalimentación al director de fotografía, en las producciones pequeñas y con bajo presupuesto, el director hace este doble trabajo.

   El encuadre y la edición determina la dirección de los ojos de la audiencia, es como decir que el director dirige la mirada a lo que el quiere que veas, si lo estas haciendo todo correctamente, cada cuadro de tu producción dirá algo y será digno de colocarse en un cuadro y colgarlo en una galería, esto, es algo que poca gente logra sin perder mucho tiempo, si tienes dinero, un buen director y un inversionista paciente, puedes lograrlo, pero si no, hay cosas que puedes hacer desde el comienzo para que tu producto final sea tan buena como las mejores.

 

   Las reglas de la composición son las mismas en video que en fotografía, pero como todo, es complicado si nunca lo has hecho, por ejemplo el (aspect ratio) es la tasa o medida de aspecto en una imagen en pantalla, de su ancho y su atura que se calcula dividiendo estos dos, son diferentes en películas o video, el aspect ratio en una película de 35 mm es 3;2 es por lo que obtienes impresiones de 4X6 pulgadas de tamaño, el aspect ratio de la mayoría de los videos es de 16:9 que es mas ancho que alto, debido a que la mayoría de los filmes de menor presupuesto son realizado con DSLR de 35mm, si claro, ya se, de la cámara GH4 de tu iPhone, ese aspect ratio, es una pequeña afectación de los viejos años del cine, cuando se revelaba menos película y ya que no esta revelando película, si no, que estas (cropping) recortando lo alto o lo bajo.

   Un cuadro de 16:9 hace que los paisajes luzcan fantásticos, pero poner una sola persona en un cuadro es un reto, porque las personas son objetos verticales y la mayoría de cuadro estará vacio, entonces con que llenas ese espacio vacio? Eso es lo que llamamos composición.

 

  

 La otra cosa obvia que afecta la composición de un cuadro de una película, es el hecho que las cosas no solo se mueven hacia adentro, si no que también el cuadro de la cámara se mueve también, esto conlleva a hacer muchas pruebas antes, un actor moviéndose a través de un cuadro, tiene que llegar a su marca cada vez de una manera predecible y el operador de la cámara, tiene que acomodar el movimiento al cuadro durante la filmación, al mismo tiempo mantener un arreglo placentero del ritmo de la historia, te preguntaras, si puedes obtener libros sobre composición y utilizarlo como base en la composición de tu película? Caro que si! las reglas  o mejor dicho una guía para composición de cualquier índole ya sea pintura o imagen fija, pueden ser tu guía.

    Una regla fundamental en composición, es la regla de tercios, divide la pantalla en  tercios con cuatro líneas, es como el juego de x y cero, tus objetos de interés caen en la intersección de dos de esta líneas, algunos cinematógrafos son mas rígidos sobre esto que otros, pero es posible encontrar muchas películas en que cada toma, no se salió de esto.

 

  

   
Mencione anteriormente que la gente es vertical y las pantallas de las películas son horizontales, esto significa que para mantener una persona en cuadro necesitas hacerla muy pequeña o recortar la imagen, ambos de estos aspectos son perfectamente aceptables, diferente al mundo real, en composición de cinematografía o fotografía puedes cortar la cabeza de alguien con impunidad, diferente a la barbilla, si cortas la barbilla, tienes que recortar igual proporción en la cabeza.

   Instintivamente miramos a los ojos de nuestro interlocutor, tenemos la creencia que en mucha sicología barata nos han dicho, que podemos ver en las profundidades de otras personas a través de los ojos, pero si es cierto que sirven como medio de comunicación, esto lo hacen los perros y los gatos, cuando te quieren decir algo, ellos te miran a los ojos, esto es universal y ellos no han leído ningún libro de sicología, en un encuadre cuando en una toma los ojos están enfocados, no importa que otras cosas estén fuera de foco.

 

   Algunos directores son esclavos de la simetría, y cuando se utiliza correctamente puede ser poderosas, uno de los caso de utilización de simetría es el directo Stanley Kubrick  que hace a un lado la regla de tercios y la reemplaza con una adherencia obsesiva a la simetría y cuadros centrados, dándonos unas poderosas imágenes sin importar el orden, tan perfectamente colocadas ,que hasta son algo amenazadoras.

 

  
   Nosotros con nuestros ojos, seguimos las líneas como carreteras, la líneas de dirección en las películas a veces son imaginarias, pero nos llevan de un punto a otro, para atrae la atención a un segundo objeto que no es el principal, la cámara puede enfatizar que es importante y que no lo es, utilizando la profundidad de campo o a través  del enfoque y desenfoque, hay tantas formas de composición que solo se aprenden haciéndolas, también hay muchos libros sobre composición, pero una de las mejores maneras es observando las películas en sitios como Film-grab.com dan muestra representativa de encuadre de varias películas, que te permite a ti si estas interesado, ver temas de composición y como verlas de un vistazo y como tu director favorito utiliza las tomas de profundidad de campo, como se adhieren rigurosamente a la regla de tercios, como utilizan la líneas y sujetos para atrae nuestros ojos y crear tensión, pon atención  a la composición utilizada cuanto mires películas en televisión, que objetos están en el cuadro y porque, en que contribuyen a contar la historia, cuales son los objetos que están en el fondo y que sentimiento dan a la escena?

   Se un estudioso constante de el cine, esa es tu tarea para llegar a ser un profesional, en este arte de la cinematografia.

PORQUE CAMBIAR DE ADOBE A AVID

    

Hay refrán popular que dice; mas sabe el diablo, por viejo, que por diablo..lo mismo pasa en la edición de video, Avid es una de las aplicaciones de edición de video que se ha sostenido y mejorado con el tiempo, mucho mejor que ninguna, en este cambiante y competitivo mundo de la tecnología, en el que se pone mas difícil cada día competir por ser el mejor.

   Esta en cada uno de nosotros, los editores de video, tener un sistema de edición de video con el cual nos gusta trabajar, porque nos sentimos cómodos con el, la mayoría de editores que conozco, se aferran a sus sistemas, ya sea porque fue con el que comenzaron y aprendieron, porque es muy popular, por el buen trabajo de  mercadeo que las empresas hacen o porque una gran mayoría lo utiliza, por lo que sea, la lógica nos hace creer que Adobe Premier Pro CC. Es la aplicación para edición de video mas popular hoy en día, es verdad que la plataforma de Adobe es muy popular, con esa gran cantidad de herramientas que pone al alcance de los editores, pero el hecho de ser popular y la mas conocida, no quiere decir que es la herramienta universal para todo, a veces tienes que expandir tus horizontes y aprender a trabajar en otro ambiente.  

  Las películas de Hollywood y las corporaciones que producen la mayoría de los grandes espectáculos en televisión y cine, mantienen numeroso departamentos de personal y gastan mas dinero y tiempo en la post producción de sus shows, que lo que se gasta en cualquier otra empresa del  entretenimiento, por  eso necesitan una herramienta de edición que sea estable y aquí, Avid Media Composer es el estándar de la industria y la plataforma para post producción preferida de Hollywood, pero no solo Hollywood esta basando sus producciones en Avid, muchos centros de noticias, mundialmente conocidos, que normalmente solamente se apoyan en una sola plataforma, para todo,  dependen del flujo de trabajo de Media Composer. 

   En ambientes de noticias, la inmediatez y rapidez son factores muy importantes, un editor debe ser muy eficiente, para trabajar con buena calidad una carga de trabajo rápidamente y una de las formas para que un editor pueda terminar su trabajo más rápidamente y doblar su rapidez, es a través de atajos en el teclado, en la mayoría de las aplicaciones tienes que utilizar el ratón y el teclado al mismo tiempo, para alcanzar la velocidad deseada y hay casi siempre alguna función que la tienes que hacer obligadamente con el ratón, esta es una de la razones principales por lo que los fieles seguidores de Avid Media Composer les encanta esta plataforma de edición, porque todo o casi todo, se puede hacer con los atajos en el teclado, te ahorra mucho tiempo y se convierte en la segunda naturaleza para el editor profesional de video.

   La arquitectura de Media Composer te permite trabajar con archivos de HDR, a alta cantidad de taza cuadros (frame rates) y resolución de pantalla hasta 8K, Media Composer, no es una plataforma solamente para edición y no tienes que forzarla a buscar muchas otra aplicaciones con las que trabajar, para finalizar tu post producción, Media Composer tiene un fuerte llaveado de Croma incorporado, herramienta de seguimiento, opciones de rotulación y un plug in de Boris Continuum completo, una de las cualidades y mas poderosas herramientas de Media Compose es su corrección de color, que es totalmente compatible con  su control de superficie, el hecho de que Avid tenga su propio hardware para su software, significa que todas sus herramientas son eficaces y compatibles.

   Un editor de Media Composer  no tiene que perder tiempo y lidiar con instalar  elementos de terceros en tu bahía de edición, el hardware trabaja mano a mano con el software, para que el editor pueda dedicarse mas a la edición de su material, que al sistema, cuando un editor de video decide entrar en el campo profesional  de la post producción para el cine y la televisión, no hay mejor decisión que hacer el cambio y aprender a editar con Media Composer, esta aplicación, tiene todo el poder para manejar grandes proyectos, ser muy ágil y veloz para hacer las mas finas y perfectas ediciones,  por eso digo, hasta hoy,  Avid Media Composer se mantiene en el primer lugar.

SELECCIONANDO EL MEJOR SOFTWARE DE EDICION

Una pregunta que muchos me hacen, es esta, que software puedo utilizar para mi proyecto? Existen ahora en el mercado, muchos paquetes disponibles para la edición de video, por lo que resulta difícil escoger entre tantas aplicaciones la mejor para tus necesidades, con precios desde miles de dólares para los profesionales, hasta los gratuitos para los novatos aficionados, por eso importante conocer que opciones existen para mejorar la calidad de producción de tu próximo video, aquí les presento las diferentes opciones en calidad y precio para que puedas tener mejor conocimiento de cual deberías obtener.

   Es difícil decir “no” a algo que es gratis y si funciona, mejor, en estos últimos tiempos muchas de las aplicaciones gratis, han mejorado ostensiblemente, pero como dice el refrán “obtienes solamente por lo que pagas” y las aplicaciones de edición de video no son la acepción, en esta categoría de aplicaciones para edición de video como Microsoft Windows Live Movie Maker y Apple iMovie, proporcionan pocas herramientas, pero dan una gran experiencia sobre como utilizar esta clase de aplicaciones, aunque para obtener iMovie de Apple tienes que comprar una de sus maquinas y además si quieres ponerle la ultima versión o mejoras, tienes que comprarlas, así que eso de “gratis” de Apple, es lo que llamamos un pequeño engaño de mercadeo.

   Lo que esperas de las aplicaciones gratis, es que tengan opciones limitadas, pero tanto iMovie y Movie Maker tienen suficientes características para hacer una producción como el cumpleaños de tu hijo, un fotomontaje del aniversario de tus padres o un pequeño documental de tus vacaciones en la playa, ambas herramientas utilizan una sencilla interface tipo storyboard, puedes utilizar títulos de texto, mezclar video con fotografías y musicalizar también, pero, no encontraras líneas múltiples de tiempo, ni mascaras para diferentes textos y otras animaciones, tampoco encontraras multipistas para audio, solamente tienen dos pistas disponibles, una para el sonido original y otra para adherir música, pero para los proyectos que mencionamos con eso es suficiente.

   En esta categoría de gratis existen otras herramientas que vale la pena mencionar, ellas son VideoSpin de Pinnacle y VirtualDub, ambas son buenas en lo que hacen, pero ambas tienen sus deficiencias y no son tan amigables para el usuario aprendiz como MovieMaker o iMovie, que son las que recomiendo, pero si tu quieres experimentar con algo mas, hay muchas opciones.

   Quieres mas? Puedes tenerlo, pero te va costar entre $ 50 y $ 200 por una solución de una aplicación de edición de video de nivel intermedio, en esta categoría existen unas pocas opciones mas, que le permiten al aficionado y editor semi profesional, un control mas creativo, si el rango de precio no te intimida, y disfrutas los retos, aun los principiantes deberían saltar a esta categoría.

   Productos como Adobe Premier Elements ($100) Multimedia Suite de Nero ($130) PowerDirector de Cyberlink ($70 - $100) Vegas Studio de Sony ($95) aplicación de introducción de edición VideoStudio Pro X 4 de Corel  ($80) MAGIX Movie Edit Pro 17 Plus ($100) o System Studio Collections de Pinnacle ($130) son buenas opciones, estas herramientas son excelentes, para el aficionado que quiere tomar ventaja de mas tecnología o algún estudiante de video edición, que aspira a un control mas exacto y fino o quiere hacer la diferencia en su producción, estas herramientas te darán ese toque especial y profesional que deseas.

   Las aplicaciones de edición de video a este nivel, ya tienen una interface de línea de tiempo, ya sea como una opción de interface única y las que te permiten la opción de estar cambiando entre el modo de storyboard o línea de tiempo, pero si realmente quieres llegar a ser un profesional en edición utilizaras la línea de tiempo, tecnología adicional pone a estas categoría de aplicaciones separadas de las otras, por ejemplo, Adobe Premier Elements 9, tiene una forma grandiosa para que organices tus archivos con etiquetas, puedes etiquetar cualquier archivo o persona con palabras claves, para que su localización sea mas fácil, Sony Vega Estudio HD 11 puede dar autoría a los discos Blue-ray, edición estereotoscopica , (edición en 3D) y Pinnacle System Studio HD Ultimate Collection versión 15, trae tonelada de filtros para video, sonido Dolby Digital 5.1 y hasta viene incluida la pantalla verde, también veras algunas capacidad de llaveado (chroma key) en esta categoría, en esta categoría podrás remover un color especifico y convertirlo en un canal alpha y de allí en adelante, le podrás poner cualquier imagen de fondo, es la misma tecnología que las televisora de noticias utilizan para el estado del tiempo delante de los gráficos de las predicciones.

   En esta categoría encontraras que la mayoría de las opciones permiten juntar diferentes mezclas de tipos de elementos de video, audio y texto en las líneas de tiempo, así como la mezcla de multi pista, también obtendrás, un mas exacto y gran control sobre el video que estas editando, mediante en uso del sistema de cuadro por cuadro, pero si quieres mas, tendrás que buscar las aplicaciones profesionales.

   En esta siguiente categoría de los juguetes grandes, no es lugar para los aprendices de llegar sin haber tenido un entrenamiento previo, las opciones del sistema de cortes y efectos desaparecen, en su lugar hay paneles de control que parece que vas a manejar equipos de control de tierra  de la NASA, si has tenido alguna experiencia en la edición de video, algunas aéreas te parecerán familiares, mientras otras te tomara tiempo acomodarte, las aplicaciones profesionales de edición de video, son ideales para cualquier editor que se gana la vida produciendo videos o por lo menos pasa la mayoría del tiempo utilizando estas herramientas, departamento de producción de grandes compañías, que producen videos corporativos profesionales y cineasta que requieren las mejores herramientas en el mercado para su producción.

   Entre los mejores productos en esta categoría está, Adobe Creative Suite 5.5 Production Premium ($1,699) Avid Media Composer ($2,395) Sony Vega Pro 10 ($600) y Apple Final Cut  X ($300) una significativa diferencia que puedes notar es que en esta categoría comienzas a ver software-Suites, que es, múltiples aplicaciones reunidas en grupo, por ejemplo Adobe CS5.5 Production Premium, agrupa a; Premier, After Effects, Photoshop, Audition, Flash Catalyst, Flash Professional, Ilustrator, OnLocation, Encore, Device Central, Bridge y Media Ecoder.. uuff… es una gran cantidad de opciones de tecnología y herramientas muy dificultosas, que si no sabes como utilizarlas, mas bien te confundirán y atrasaran tu proyecto, todo esto es los que obtienes en esta aplicación , pero lo mas importante que debes saber, es que un editor profesional tiene que saber no solo sobre video, videos de alta calidad, exigen editores y tecnología de alta calidad, que puedan manejar fotografía, animación, audio, gráficos y mucho mas, si estas en esa ruta, yo te recomiendo que utilices un Video Editing Suite o recuerda, que tendrás que lidiar con esa otra aplicación externa extra, cualquiera que sea la aplicación que tu quieras tener.

   En la categoría de aplicaciones de edición profesionales, obtienes un sin limite de pistas y acceso a un sinumero de controles, metada y mucha herramientas profesionales mas, metada, para el conocimiento,es la información adicional sobre un archivo de vídeo,que ayuda al editor o editores en línea, a conocer toda la información, del archivo en producción de vídeo, por ejemplo, la opción de poner el código de tiempo del proyecto en una imagen en la barra de tiempo, esto permite compartir con otros editores o el productor del proyecto, para que ellos puedan adherir notas sobre la exactitud y sincronía de algunas partes del proyecto.

   Hay muchas mas opciones en estas herramientas profesionales, que me es imposible enumerar en esta nota, pero recuerda tomar cada sesión de edición,como una lección, para mas conocimiento, no creas que lo puedes aprender todo, en una sola noche, los mejores editores, todavía practican y leen mucho, aprenden nuevas técnicas, miran nuevas tendencias y lo mas importante, ser paciente y tomarte tu tiempo, para obtener la mejor edición.

MULTIPLEXEAR, QUE ES? Como Afectara A Los Medios De Comunicación

La palabra multiplexear viene de la utilización de dos o varios canales por una sola banda del espectro radioeléctrico, como todos sabemos (creo yo) en todos los países del mundo las frecuencias de TV principalmente, ya están saturadas, no hay espacio para otros medios, eso creíamos, pero con los adelantos tecnológicos actuales surge el multiplexer,  es una dispositivo de transmisión, que permite instalar uno o varios canales dentro de una misma  frecuencia ya existente, 

En la NAB que se celebro recientemente en las Vegas, USA, ese fue uno de los temas, en una de las conferencia, porque allá, el FCC  organismo que regula las telecomunicaciones,  hicieron una subasta para ganar mas dinero e incentivar el “chanel Sharing” (compartir las frecuencias) lo que provocara la optimización por parte de los difusores el mejorar la codificación y calidad de vídeo que transmiten.

En este articulo análisis de la conferencias que hago, podrán darse cuenta del los beneficios, ventajas y los retos que se tendrán que enfrentar y como el compartir de canales, puede optimizar la calidad del video, en la eficiencia de la codificación, utilizando lo ultimo en herramientas de compresión, dentro de la estructura statmux de distribución de un multiplexer.

En USA le llaman el (CSA) “channel shareing agreement” acuerdo de compartir frecuencia, que puede ser entre dos o mas duopolios o grupo de estaciones independientes, que permite a las estaciones participantes distribuir su programación dentro de una cantidad de frecuencia compartida, esta unión,  en el espectro ofrecerá un sinnúmero de grandes beneficios, pero también trae consigo grandes retos tecnológicos, uno de los principales es la eficiencia en la codificación, los difusores tendrán que encauzar tantos canales o señales MPEG-2 como sea posible, dentro de la disponibilidad del transportador ATCS de 19. 39-Mbps y mantener una buena calidad de vídeo.

La asignación de Bitrates (Bit rates: define el número de bits que se transmiten por unidad de tiempo, a través de un sistema de transmisión digital) tasa o velocidad de Bits también va a ser un reto, que es donde el statmuxing juega un papel muy importante, para asegurar los requerimientos que exige la CSA, los canales participantes deben de estar de acuerdo en como distribuir los bitrates y calidad de video, utilizar una sola constante velocidad de bits en una transmisión con multiplexer, no es una solución, porque limitara la eficiencia del ancho de banda e impactara en toda la calidad de video.

Además, muchos difusores, querrán combinar sus transmisiones codificadas desde sitios geográficamente diferentes, pero como mantener la codificación en una estación, mientras la transmisión del statmuxing es en otro sitio del país, o en otro país? pasar circuitos SDI entre las estaciones que están compartiendo, es una opción muy cara, así que la opción debe ser efectiva en lo relativo a costos, eficiencia y debe mantener y garantizar la calidad de vídeo. 

Mientras los nuevos estándares de compresión de video que se han creado y desarrollado durante los últimos años y han redoblado la eficiencia de la codificación MPEG-4 AVC y HEVC, esto también ha beneficiado la tecnología Statmux con el MPEG-2 que funcionan mano a mano con la compresión AVC y HEVC para soportar la gran cantidad de canales requeridos por la CSA, utilizando la tecnología multiplexer las estaciones pueden balancear  la calidad el vídeo entre el grupo de canales en el statmux, cambiando los bit-rates entre los canales con menos estadística de transmisión o de baja complejidad, que los de tiempo real, las exigencias son mas, cuando los recursos en el grupo de canales son de diferente tipo, tales como deportes, talk show, etc. etc., estos necesitan por lo menos dos canales, de diferente contenido, en cada uno, para obtener un beneficio relativo.

La solución statmux, va aun, mas allá, permitiendo a una estación que comparte, conformar un grupo de 32 canales de diferentes puntos geográfico, con diferentes codificadores esparcidos, esta capacidad mejora la eficiencia del ancho de banda, es flexible y ahorrador de costos y al mismo tiempo permite a los difusores mantener una alta calidad de vídeo.

Para monitorear y medir la asignación de bit en el grupo, el software de análisis juega un papel crucial, asegurando los puntos de referencia alcanzados, encontrar una solución que se integre eficientemente con la codificación para ofrecer sistema de monitoreo de video en tiempo real, con alarmas de degradación, comparación de calidad para un grupo de canales, análisis de tendencias y una variedad de herramientas de reporte,  son algunas de las herramientas, que ayudara a los difusores obtener el mejor punto de referencia,  para la mejor calidad de vídeo y lograr el mejor éxito en su transmicion.

LA LINEA MOTIV DE SHURE

Shure ha presentado su nueva línea de productos Motiv y se pone a la cabeza como el primer fabricante del mercado de dispositivos de grabación para móviles, ofreciendo productos que se conectan vía  “lightnign”  para iPhones y iPad, y via USB para utilizar en las computadoras y conector de 1/8, los modelos son , el dispositivo de entrada digital MVj, el MVL micrófono lavalier, el MV88 micrófono digital estéreo, el MV51 micrófono  de condensador con gran diafragma y el MV5 micrófono digital de condensador, todos los productos funcionan con el app ShurePlus MOTIV, con el cual se obtiene total control, compresor/limitador y con el MV88, se controla la cantidad de recepción.

 En la  practica el MVj el micrófono dinámico SM7 de Shure y con el micrófono de disparo NTG2  de Røde y con la ayuda  del app MOTIV, ponerles compresión o limitación fue fácil, los diferentes modos, cantar, hablar, acústico y alto o plano, ofrecen diferente ecualización y compresión a medida para los diferentes recursos, para  mejor calidad de grabación, el MVj produce grabaciones de 24 bits y 48kHz con su preamplificador Clase A, la entradas aceptan conectores XLR y de ¼ , el MVj su precio anda debajo de los $130 lo que es muy económico y una de las mejores ofertas disponibles en el mercado, recomiendo el MVj para reporteros, quienes andan en movimiento, pero que también tienen necesidad de un dispositivo con entrada USB.

El MVL es el único dispositivo con entrada de1/8 de pulgada y no solo por el hecho de no tener un conector lightning no quiere decir que no esta reforzado por el app ShurePlus MOTIV, las mismas opciones de ecualización, compresión y limitador están disponibles, el MVL suena bien y por menos de $70 y si tienes ya un dispositivo iOS, el MVL te da un lavalier para tu movilidad, sin el gran precio de otros y si necesitas sincronizar el audio que estas filmando con la cámara del iPhone y necesitas el apoyo de un mic lavalier, esta es tu solución.

El MV88 es un micrófono digital estéreo, que te ofrece buena captación a través del app ShurePlus puedes expandir  el área de cobertura desde 90 grados a 130 grados, cuando grabas un evento en vivo, es muy útil, con un fácil cambio en el app el campo de cobertura estéreo se expande  o se contrae, para que puedas incluir o excluir aéreas que quieres grabar con el.

El ultimo producto de la línea MOTIV es el MV5 micrófono de condensador digital, es un sencillo diseño de una pelota  como recuerdo de los mic Blue, pero el MV5 es mas pequeño y mas robusto y los presentan en dos colores con un pequeño soporte de metal, y es bueno que se incluya un soporte de buena calidad, aunque en realidad es muy pequeño y lo único para lo que sirve es para que el mic. no se ruede o caiga, pero suena bien, no tan bien como su hermano mayor el MV51, pero sin embargo, con un precio de de $100, como el resto de la línea MOTIV, es una solución, por si necesitas grabar algo con el móvil

Con esta nueva línea de productos MOTIV,  Shure se adelanta en el mercado de los dispositivos de grabación para móviles.

Para mas info. www.shure.com

Phantom 4, El Drone De DJI Que Pilotea Por Ti

DJI ha presentado la siguiente generación  de Drones integrados para fotografía y cinematografía del mas alto nivel, el Phantom 4.

La dificultad al utilizar un drone para fotografía aérea es la complejidad de su pilotaje en relación al objeto en movimiento, el operador de la cámara no solo tiene que mantener la nave volando en la ruta prevista,  pero también tiene que seguir el objeto circulando y moviéndose hacia adelante y simultáneamente mantener la cámara enfocada en el sujeto, mientras se mueve suavemente manteniendo el encuadre y la composición.

El nuevo Phantom 4 de DJI esta diseñado y cargado con el más complejo sistema de pilotaje con el software que utilizamos en el seguimiento de imagen en edición  y procesamiento de video o con el cual trabajando con cámaras en vivo.

Lo primero, con el Phantom 4, ya no necesitas estar constantemente monitoreando la dirección del vuelo, el nuevo sistema de prevenir obstáculos utiliza un par de cámaras en el frente para evitar colisiones el Phanton 4 reducirá automáticamente su velocidad mientras se acerca al obstáculo desde un rango de 0.7 hasta 15 metros de distancia he ira alrededor o sobre el obstáculo o volara estacionariamente en su lugar, esto significa que puedes volar en lugares dificultosos como un cañon de rocas con arboles colgantes, con el sistema de detección de obstáculos también se mejoro el sistema de regreso a casa ya que el drone puede evitar colisiones de la misma manera puede volar de regreso a la base, aun si tenerlo a la vista a  una distancia de 2 a 3 millas desde el control.

Entonces en vez de estar controlando  el vuelo con la palanca puedes utilizar el modo de “tapFly”  solamente tienen que golpear en la pantalla para ordenarle al Phantom en qué dirección ir  y con suave vuelo la nave ira al lugar determinado.

Y todavía mejor, puedes utilizar el modo “ActiveTrack” que automáticamente persigue el objeto desde una distancia prudencial, no hay ningún transmisor en el objeto, solamente golpe la pantalla e el app “DJI GO” y el Phantom4 utilizando la tecnología de software de seguimiento de objetos, lo mantiene encuadrado mientras se mueve.

También puedes golpear el botón e pausa en cualquier punto y el Phantom 4 volara  quedara estacionado sobre el punto, el diseño del Phantom4 también ha mejorado con un núcleo de magnesio lo que lo hace ms aerodinámico y robusto, el sistema de enganchar  soltar de las hélices, permite un rápido manejo e instalación, mas aceleración y mas fuerte frenado.

El sistema de sostenimiento de la cámara esta integrado al cuerpo. Poniendo la misma en el centro e gravedad de la aeronave, combinado con los nuevos motores y batería, el Phantom 4 puede proveer hasta 28 minuto de vuelo, adicionalmente, del sistema de posicionamiento visual, trae cuatro sensores y un mejorado sistema de sonar que funciona hasta a 10 metros del suelo.   

También trae un modo de deportes, que permite rápidas velocidades hasta de 44mph, eso es 20 metros por segundo, con 6 metros por segundo ascendiendo y 4 metros por segundo e descenso, además de hacerlo muy divertido de volar, te permite legar y estar en posición para obtener tu toma.

Para nosotros los videografos, la cámara se ha mejorado para reducir la aberración cromática a 56% y la distorsión de lente se ha mejorado a un 36%, además de video de 120fps a 1080p e completo HD para una suave cámara lenta y con varios formatos que van desde el HD hasta el 4k UHD 

Para mas info visita www.dji.com

Utilizando Tu Cámara Para Controlar La Perspectiva De Tu Audiencia

La cámara son los ojos de tu audiencia al mundo que capturaste con ella, cada cuadro o toma que grabas debe contar algo de tu historia, aprender a manipular y controlar la perspectiva de tu cámara le da mas valor a tu historia, mantiene tu audiencia y le da ese toque profesional a tu proyecto.

Mantener a tu audiencia y trabajar con poco presupuesto, también es un reto, especialmente cuando filmas algún proyecto estilo documental, porque no puedes tener mucho control de las cosa que afectan tu proyecto, como la iluminación locaciones y diseño de producción, tal vez tengas poco o ningún dinero para disfraces o elementos de decoración, puede suceder, que estés limitado a la locación donde esta lo que necesitas firmar o no tendrás el suficiente equipo de iluminación para obtener la toma con el tono que necesitas, controlando y conociendo la perspectiva de tu cámara, puedes llevar a tu audiencia a que reaccione a tus imágenes, con técnicas que se pueden obtener con casi cualquier presupuesto  

Así como los pintores prefieren cierto tipo de composiciones para mostrar ciertas emociones, los cinematógrafos, han desarrollado durante muchos años, un complejo lenguaje visual para contar sus historias, este lenguaje se muestra a través del uso de color, contraste, punto de vista, enfoque y movimiento, aunque pareciera que una producción tiene una apariencia uniforme, en una inspección mas cuidadosa, notaras que las películas modernas de horror tienen una apariencia diferente, a una comedia romántica. 

El estilo con que se realiza esta forma de contar una historia visual no se hizo en forma arbitraria, es el resultado de conocer como las personas reaccionan a ciertas imágenes, muchos de los grandes cinematógrafos han estudiado el trabajo de los grandes maestros y artistas de la pintura de muchos siglos atrás y han incorporado estas técnicas a su forma de filmar, esto no quiere decir que el lenguaje visual de contar una historia no ha evolucionado, si miras escenas de algunas películas de los años 40 y unas pocas que se hicieron el año recién pasado, seguramente encontraras algunas similitudes, sin embargo muchas cosas han cambiado en la manera que un genero se filma comúnmente, las audiencias también se han puesto a la par con las técnicas comunes que utilizan los cinematógrafos cuanto filman cierto tipo de historias, si puedes traer algunas de estas técnicas a tu producción, mas efectivamente podrás atrae mas audiencia a tu historia.

La forma como filmas con tu cámara, afecta como quieres contar tu historia, para comenzar, tienes que pensar que clase de historia vas a contar, la manera mas común de filmar una historia de acción de artes marciales es muy diferente de un drama histórico, aun si estas filmando un documental, tienes que pensar de que se tratara la misma.

La clase de historia que vas a contar es el efecto de cómo la filmaste, por ejemplo la manera como filmas un film de acción de artes marciales es muy diferente que un drama histórico, aun si estas un documental tienes que pensar en que historia vas a contar, mira historias que son similares a la tuya, aunque tengas una historia que no vaya con ese genero, pero que tienen elementos similares a la tuya, así que si tienes espadas, sandalia y zombis,  en un escenario romano , mira cosas como “spartacus” y “Dawn of the dead” entonces encuentra en ellas parte de tu historia que la hacen única y puedes hacerla mejor con tu cámara  aprender esa técnica le da mas valor a tu historia y eso mantendrá tu audiencia entretenida.

Busca mejorar la técnica del original, las películas del oeste todavía encuentran buena audiencia y no las están mirando para ver algo nuevo, encontraras mientras aprendes y manejes las técnicas para controlar tu film, en tu propio punto de vista y sentir la historia  de una manera diferente, que pueda tener el mayor impacto visual en tu audiencia, lo que tu cámara ve, tu audiencia ve, por eso  debes de utilizar la perspectiva de tu cámara para darle soporte a tu historia, debes aprender como manipular los diferentes elementos de la perspectiva de la cámara,  estos elementos son, tiempo de cuadros,  enfoque, profundidad de campo, punto de vista, ángulos, encuadre, movimiento y velocidad, entre otros.

Desgraciadamente , en muchas producciones, la decisión en que (apect ratio o frame ratio) los cuadros por segundo y las mediciones del espectro,  que se utilizan no son las mas creativas, porque están basadas en la distribución final del proyecto o las limitaciones técnicas del equipo que se utiliza, aun en línea, el máximo frame rate soportado por la mayoría del los sitios de alojamiento es de 30fps y las cámaras que están a disposición de los videografos  solamente filman en 24, 25 o 30fps.

Las mediciones del espectro de la mayoría de los equipos de video actualmente es de 1.78:1 (16X9) aunque algunas cámaras pueden filmar en el estándar 1.85:1 (academy) pero formatos mas anchos como 2.35:1 (scope) que son tan populares en los grandes filmes épicos, no son soportados fuera de cámara de cinema de ultima generación, sin perder resolución, ya sea por angostar o ampliar la imagen.

Todo lo que cae dentro del cuadro de la imagen que una cámara captura, es el campo de visión, un campo de visión es determinado por dos factores, la distancia de la cámara del objeto y la distancia focal de los lentes, al utilizar lente con una distancia focal corta, te da una amplia visión permitiéndote capturar bastante fondo con tu objeto, lentes con amplio campo de vista, también reducen la percepción  de movimiento de cámara, haciéndolos favoritos para tomas de acción con cámara en la mano, una lente con un largo campo focal,  te da una vista angosta de campo permitiéndote hacer tomas de cerca (close up) con una cámara y te da una vista angosta de campo permitiéndote hacer tomas de cerca (close up) con una cámara lejos del objeto, lentes con campo angosto de vista también son utilizados  para reducir profundidad de campo y hacer que el  objeto se separe del fondo.

Hay diferentes tipos de tomas comunes en producción que son nombradas para describir su campo de vista en relación a lo que se esta filmando, estas tomas  incluyen : extra –amplio, ancho, medio close up y extra close up, algunas tomas amplias son conocidas como tomas establecidas, porque incluyen el área alrededor del objeto o objetos y dan el sentido de lugar en el ambiente, sin establecer estas tomas, la audiencia no puede saber en donde la historia tiene lugar, es muy común estar cambiando en una toma media, donde el sujeto es encuadrado desde la cintura hasta la cabeza y llegar a un close up o el sujeto esta encuadrado desde arriba del pecho hasta la cabeza , pero el campo de vista en estas diferentes tomas debe ser el mismo.

Consistencia en el campo de vista en las diferentes tipos de tomas que haces son muy importantes para mantener el ritmo de tu historia, si encuadras todos tus sujetos con close up y tomas medias con el mismo campo de vista, te ayuda a mantener un sentido de estabilidad en el ambiente de la escena, sin embargo, si hay un cambio dramático en la historia, puedes romper este patrón de toma, para ayudar a demostrar el cambio dramático, si el ritmo de la historia  no es parejo y el campo de vista y la misma esta cambiando constantemente, puede sacar a tu audiencia fuera de la trama de tu historia, este tipo de inconsistencia en el campo de visión, es conocido con una señal de baja calidad o producción “tipo B” .

La mayoría de las veces quieres que el sujeto que estas filmando este bien enfocado, pero podrías querer tenerlo fuera de enfoque o salir y entrar del enfoque para demostrar su confusión, heridas o cualquier otra causa de dolor, utilizar desenfoques en ciertas tomas  para enfatizar ciertas partes del encuadre que pueden ser controladas cambiando la profundidad de campo, una toma con una larga profundidad, tiene objetos adelante, en el medio y en el fondo esta enfocado, una toma  de poca profundidad tiene solamente enfocado el medio, si tu sujeto es la única cosa en el escenario, esta toma lo realzara, el ojo humano es naturalmente atraído por todo lo que esta enfocado, así que filmar el sujeto con una profundidad de campo corta se ha convertido muy popular  en muchos dramas modernos y comedias románticas, una profundidad corta de campo también se puede utilizar para esconder cosas en el fondo que no aparecen enfocadas, en los film de acción, el héroe casi siempre es presentado en control de us ambiente asi que solamente tomas medias con gran profundidad de campo son utilizadas para el héroe.

El punto de vista es cuando la cámara filma una escena como que si lo estuviera viendo desde la perspectiva del sujeto, el sujeto puede ser una persona, animal o un clip de papel, a menudo el punto de vista de la cámara puede afectar como la gente interprete la escena, tomas guías han existido desde la era del cine mudo, estas se filman para llevar a la audiencia  y ojos del personaje, desde el film “the Blair witch Project” muchos directores utilizan este tipo de toma como única forma de punto de vista, las cámaras de seguridad son la segunda opción mas utilizada en films de punto de vista, sin embargo, la mas emocionan te es la que se hace desde el capo o defensas de algún vehículo, utilizada extensivamente en los años 1970, se convirtieron la norma desde entonces en las escenas de persecución  y carreras de vehículos.

Los ángulos se trata de llevar las cosas subconscientes del personaje, por ejemplo, cuando el héroe sale triunfante y salvo el día, un ángulo bajo es utilizado para demostrar que el personaje es noble, fuerte y con mucho carácter, los ángulos bajos le puede dar a los objetos una apariencia de gran poder, haciéndolos lucir mas grande que lo que son o amenazantes, los ángulos altos comúnmente hace que la gente se mire pequeña, débil o insignificante, así que si nuestro héroe se debe filmar desde arriba, pensaremos que el tiene miedo, esta en pánico o es incapaz, los ángulos a nivel de los ojos son para una interpretación mas neutral, mayormente mas personal, la mayoría de las comedias romaicas se filman con este ángulo de toma, ángulos bajos que no están a nivel se les conoce como “ Duch angles” , este tipo de ángulos, son utilizados comúnmente en películas de horror, para demostrar peligro, porque tienden a dar a la audiencia un sentimiento de inseguridad.   

Hay veces que parece muy sencillo donde el sujeto se encuentra encuadrado y donde esta en ese momento puede causar gran impacto en tu producción, en las noticias de Tv y comerciales, el sujeto esta en el centro del cuadro mirando directamente al lente de la cámara, en las películas los personajes están descentrados y casi nunca miran a la cámara, este tipo de encuadre esta basado en la regla de terceros “rule of thirds” que divide la pantalla en nueve partes con tres planos horizontales y tres verticales, en film, los personajes son cambiados ya sea al lado derecho o al lado izquierdo de la pantalla, los cuales serian los planos verticales uno y tres, cuando la persona es encuadrada en el centro, plano vertical dos, se utiliza para hacer sentir a la audiencia insegura, según el contexto, algunas veces en films dependes de situaciones donde el actor casi esta fura de cuadro o solamente su sombra esta en cuadro, para sugerir acción en escondidas o sacarlo de alguna escena o situación.

Como mueves tu cámara debe de estar a ritmo con tu historia también, si estas filmado establecida en la Corte Francesa del siglo 18, bastantes dollys y grúas funcionaran muy bien, lo mismo, si estas contando una historia  de drama dentro de la ciudad, con cámara de mano con pequeños temblores será bien recibidos por tu audiencia o puedes utilizar un sistema de auto soporte,  si tu mezclas los dos estilos, puede que tu audiencia no le guste tu historia, por ser filmada en una forma poco inusual, hay muchos diferentes términos para los movimientos de cámara, porque muchas veces se refieren al tipo de soporte que se esta utilizando, movimiento de trípode es paneo ( mover la cámara hacia el lado izquierdo o hacia la derecha obre la cabeza del mismo) el movimiento “tilt” la cabeza del trípode se mueve en ángulo para arriba y para bajo, mientras que una persona con cámara al hombro puede imitar un movimiento de trípode, por eso el mismo termino se le da al movimiento hecho por una cámara en mano, el movimiento de “dolly” o rodaje de la cámara sobre ruedas, se acerca o se aleja del sujeto o pasa alrededor, siguiendo los movimientos del objeto, manteniendo el mismo campo visual también se puede hacer con cámara en mano.

Movimientos de grúas o auto soportados, se le llama movimiento de “boom” haciendo alusión a los micrófonos que se colocan sobre las personas.

Movimientos de lentes zoom, pueden alejar o acercar al sujeto, mientras esos movimientos de zoom son similares al efecto de “dolly” de entrar y salir, la profundidad de campo cambia con el lente de zoom, adicionalmente la mayoría de los lentes de zoom, distorsionan  la imagen, utilizando un zoom altera la apariencia de la toma, un acercamiento de zoom o de “dolly” a la cara del sujeto, pueden hacer la expresión facial mas notoria.

Efecto como la cámara lenta, o tomas de tiempo, afectan la forma como un evento es percibido por la audiencia, tomas de cámara lenta filmadas a grandes cantidades de cuadros (frame rates) y reproducidas a velocidad normal, pueden ser utilizadas para obtener un gran numero de diferentes de respuestas y actualmente se utilizan en film de acción para enfatizar una acción espectacular del héroe ejemplo un espartano saltando dramáticamente al aire mientras con su arma va a golpear a su adversario, laso de tiempo “time lapse” se crea tomando fotos fijas durante un largo periodo de tiempo y luego son comprimidas en un periodo corto de tiempo, esto hace sentir a la gente como que si el tiempo esta pasando rápidamente o puede simular una dramática transición, un ejemplo común en las fases de la luna , que siguiere al pasar rápidamente el paso del tiempo y los meses que pasaron en la historia.

Una de mis recomendaciones para aprender a controlar la perspectiva de  tu audiencia con la cámara , es estudia otras grandes historia visuales que son similares a la tuya y mirar como el cinemógrafo las hizo realidad, la mayoría de los géneros de películas han revolucionado la manera como se filma actualmente, por ejemplo “stage coach” para películas de viejo oeste,  “blade runner” para ciencia ficción y “die Hard”  para películas de acción, estudiando este tipo de películas, te puede ayudar a entender que tipo de toma se utilizaron para mantener el ritmo en esta historias y te ayudara  a hacer decisiones similares en tu proyecto, por supuesto, no hay nada como la experiencia propia, así que debes practicar mucho lo aprendido al ver esas producciones.