La cámara son los ojos de tu audiencia al mundo que
capturaste con ella, cada cuadro o toma que grabas debe contar algo de tu
historia, aprender a manipular y controlar la perspectiva de tu cámara le da
mas valor a tu historia, mantiene tu audiencia y le da ese toque profesional a
tu proyecto.
Mantener a tu audiencia y trabajar con poco
presupuesto, también es un reto, especialmente cuando filmas algún proyecto
estilo documental, porque no puedes tener mucho control de las cosa que afectan
tu proyecto, como la iluminación locaciones y diseño de producción, tal vez
tengas poco o ningún dinero para disfraces o elementos de decoración, puede
suceder, que estés limitado a la locación donde esta lo que necesitas firmar o
no tendrás el suficiente equipo de iluminación para obtener la toma con el tono que necesitas, controlando y conociendo la perspectiva de tu cámara, puedes
llevar a tu audiencia a que reaccione a tus imágenes, con técnicas que se pueden
obtener con casi cualquier presupuesto
Así como los pintores prefieren cierto tipo de
composiciones para mostrar ciertas emociones, los cinematógrafos, han
desarrollado durante muchos años, un complejo lenguaje visual para contar sus
historias, este lenguaje se muestra a través del uso de color, contraste, punto
de vista, enfoque y movimiento, aunque pareciera que una producción tiene una
apariencia uniforme, en una inspección mas cuidadosa, notaras que las películas
modernas de horror tienen una apariencia diferente, a una comedia
romántica.
El estilo con que se realiza esta forma de contar una
historia visual no se hizo en forma arbitraria, es el resultado de conocer como
las personas reaccionan a ciertas imágenes, muchos de los grandes cinematógrafos
han estudiado el trabajo de los grandes maestros y artistas de la pintura de
muchos siglos atrás y han incorporado estas técnicas a su forma de filmar, esto
no quiere decir que el lenguaje visual de contar una historia no ha
evolucionado, si miras escenas de algunas películas de los años 40 y unas pocas
que se hicieron el año recién pasado, seguramente encontraras algunas
similitudes, sin embargo muchas cosas han cambiado en la manera que un genero
se filma comúnmente, las audiencias también se han puesto a la par con las
técnicas comunes que utilizan los cinematógrafos cuanto filman cierto tipo de
historias, si puedes traer algunas de estas técnicas a tu producción, mas
efectivamente podrás atrae mas audiencia a tu historia.
La forma como filmas con tu cámara, afecta como
quieres contar tu historia, para comenzar, tienes que pensar que clase de
historia vas a contar, la manera mas común de filmar una historia de acción de
artes marciales es muy diferente de un drama histórico, aun si estas filmando un
documental, tienes que pensar de que se tratara la misma.
La clase de historia que vas a contar es el efecto de
cómo la filmaste, por ejemplo la manera como filmas un film de acción de artes
marciales es muy diferente que un drama histórico, aun si estas un documental
tienes que pensar en que historia vas a contar, mira historias que son
similares a la tuya, aunque tengas una historia que no vaya con ese genero,
pero que tienen elementos similares a la tuya, así que si tienes espadas,
sandalia y zombis, en un escenario
romano , mira cosas como “spartacus” y “Dawn of the dead” entonces encuentra en
ellas parte de tu historia que la hacen única y puedes hacerla mejor con tu
cámara aprender esa técnica le da mas
valor a tu historia y eso mantendrá tu audiencia entretenida.
Busca mejorar la técnica del original, las películas
del oeste todavía encuentran buena audiencia y no las están mirando para ver
algo nuevo, encontraras mientras aprendes y manejes las técnicas para controlar
tu film, en tu propio punto de vista y sentir la historia de una manera diferente, que pueda tener el
mayor impacto visual en tu audiencia, lo que tu cámara ve, tu audiencia ve, por
eso debes de utilizar la perspectiva de
tu cámara para darle soporte a tu historia, debes aprender como manipular los
diferentes elementos de la perspectiva de la cámara, estos elementos son, tiempo de cuadros, enfoque, profundidad de campo, punto de
vista, ángulos, encuadre, movimiento y velocidad, entre otros.
Desgraciadamente , en muchas producciones, la decisión
en que (apect ratio o frame ratio) los cuadros por segundo y las mediciones del
espectro, que se utilizan no son las mas
creativas, porque están basadas en la distribución final del proyecto o las limitaciones
técnicas del equipo que se utiliza, aun en línea, el máximo frame rate
soportado por la mayoría del los sitios de alojamiento es de 30fps y las
cámaras que están a disposición de los videografos solamente filman en 24, 25 o 30fps.
Las mediciones del espectro de la mayoría de los equipos
de video actualmente es de 1.78:1 (16X9) aunque algunas cámaras pueden filmar
en el estándar 1.85:1 (academy) pero formatos mas anchos como 2.35:1 (scope)
que son tan populares en los grandes filmes épicos, no son soportados fuera de
cámara de cinema de ultima generación, sin perder resolución, ya sea por
angostar o ampliar la imagen.
Todo lo que cae dentro del cuadro de la imagen que una
cámara captura, es el campo de visión, un campo de visión es determinado por
dos factores, la distancia de la cámara del objeto y la distancia focal de los
lentes, al utilizar lente con una distancia focal corta, te da una amplia
visión permitiéndote capturar bastante fondo con tu objeto, lentes con amplio
campo de vista, también reducen la percepción
de movimiento de cámara, haciéndolos favoritos para tomas de acción con
cámara en la mano, una lente con un largo campo focal, te da una vista angosta de campo
permitiéndote hacer tomas de cerca (close up) con una cámara y te da una vista
angosta de campo permitiéndote hacer tomas de cerca (close up) con una cámara
lejos del objeto, lentes con campo angosto de vista también son utilizados para reducir profundidad de campo y hacer que
el objeto se separe del fondo.
Hay diferentes tipos de tomas comunes en producción
que son nombradas para describir su campo de vista en relación a lo que se esta
filmando, estas tomas incluyen : extra
–amplio, ancho, medio close up y extra close up, algunas tomas amplias son
conocidas como tomas establecidas, porque incluyen el área alrededor del objeto
o objetos y dan el sentido de lugar en el ambiente, sin establecer estas tomas,
la audiencia no puede saber en donde la historia tiene lugar, es muy común
estar cambiando en una toma media, donde el sujeto es encuadrado desde la
cintura hasta la cabeza y llegar a un close up o el sujeto esta encuadrado
desde arriba del pecho hasta la cabeza , pero el campo de vista en estas
diferentes tomas debe ser el mismo.
Consistencia en el campo de vista en las diferentes
tipos de tomas que haces son muy importantes para mantener el ritmo de tu
historia, si encuadras todos tus sujetos con close up y tomas medias con el
mismo campo de vista, te ayuda a mantener un sentido de estabilidad en el
ambiente de la escena, sin embargo, si hay un cambio dramático en la historia,
puedes romper este patrón de toma, para ayudar a demostrar el cambio dramático,
si el ritmo de la historia no es parejo
y el campo de vista y la misma esta cambiando constantemente, puede sacar a tu
audiencia fuera de la trama de tu historia, este tipo de inconsistencia en el
campo de visión, es conocido con una señal de baja calidad o producción “tipo
B” .
La mayoría de las veces quieres que el sujeto que
estas filmando este bien enfocado, pero podrías querer tenerlo fuera de enfoque
o salir y entrar del enfoque para demostrar su confusión, heridas o cualquier
otra causa de dolor, utilizar desenfoques en ciertas tomas para enfatizar ciertas partes del encuadre
que pueden ser controladas cambiando la profundidad de campo, una toma con una
larga profundidad, tiene objetos adelante, en el medio y en el fondo esta
enfocado, una toma de poca profundidad
tiene solamente enfocado el medio, si tu sujeto es la única cosa en el
escenario, esta toma lo realzara, el ojo humano es naturalmente atraído por
todo lo que esta enfocado, así que filmar el sujeto con una profundidad de
campo corta se ha convertido muy popular
en muchos dramas modernos y comedias románticas, una profundidad corta
de campo también se puede utilizar para esconder cosas en el fondo que no
aparecen enfocadas, en los film de acción, el héroe casi siempre es presentado
en control de us ambiente asi que solamente tomas medias con gran profundidad
de campo son utilizadas para el héroe.
El punto de vista es cuando la cámara filma una escena como
que si lo estuviera viendo desde la perspectiva del sujeto, el sujeto puede ser
una persona, animal o un clip de papel, a menudo el punto de vista de la cámara
puede afectar como la gente interprete la escena, tomas guías han existido
desde la era del cine mudo, estas se filman para llevar a la audiencia y ojos del personaje, desde el film “the
Blair witch Project” muchos directores utilizan este tipo de toma como única
forma de punto de vista, las cámaras de seguridad son la segunda opción mas utilizada
en films de punto de vista, sin embargo, la mas emocionan te es la que se hace
desde el capo o defensas de algún vehículo, utilizada extensivamente en los
años 1970, se convirtieron la norma desde entonces en las escenas de
persecución y carreras de vehículos.
Los ángulos se trata de llevar las cosas subconscientes del
personaje, por ejemplo, cuando el héroe sale triunfante y salvo el día, un
ángulo bajo es utilizado para demostrar que el personaje es noble, fuerte y con
mucho carácter, los ángulos bajos le puede dar a los objetos una apariencia de
gran poder, haciéndolos lucir mas grande que lo que son o amenazantes, los
ángulos altos comúnmente hace que la gente se mire pequeña, débil o
insignificante, así que si nuestro héroe se debe filmar desde arriba,
pensaremos que el tiene miedo, esta en pánico o es incapaz, los ángulos a nivel
de los ojos son para una interpretación mas neutral, mayormente mas personal,
la mayoría de las comedias romaicas se filman con este ángulo de toma, ángulos
bajos que no están a nivel se les conoce como “ Duch angles” , este tipo de
ángulos, son utilizados comúnmente en películas de horror, para demostrar
peligro, porque tienden a dar a la audiencia un sentimiento de inseguridad.
Hay veces que parece muy sencillo donde el sujeto se encuentra
encuadrado y donde esta en ese momento puede causar gran impacto en tu
producción, en las noticias de Tv y comerciales, el sujeto esta en el centro
del cuadro mirando directamente al lente de la cámara, en las películas los
personajes están descentrados y casi nunca miran a la cámara, este tipo de
encuadre esta basado en la regla de terceros “rule of thirds” que divide la
pantalla en nueve partes con tres planos horizontales y tres verticales, en
film, los personajes son cambiados ya sea al lado derecho o al lado izquierdo
de la pantalla, los cuales serian los planos verticales uno y tres, cuando la
persona es encuadrada en el centro, plano vertical dos, se utiliza para hacer
sentir a la audiencia insegura, según el contexto, algunas veces en films
dependes de situaciones donde el actor casi esta fura de cuadro o solamente su
sombra esta en cuadro, para sugerir acción en escondidas o sacarlo de alguna
escena o situación.
Como mueves tu cámara debe de estar a ritmo con tu historia
también, si estas filmado establecida en la Corte Francesa del siglo 18,
bastantes dollys y grúas funcionaran muy bien, lo mismo, si estas contando una
historia de drama dentro de la ciudad,
con cámara de mano con pequeños temblores será bien recibidos por tu audiencia
o puedes utilizar un sistema de auto soporte,
si tu mezclas los dos estilos, puede que tu audiencia no le guste tu
historia, por ser filmada en una forma poco inusual, hay muchos diferentes
términos para los movimientos de cámara, porque muchas veces se refieren al
tipo de soporte que se esta utilizando, movimiento de trípode es paneo ( mover
la cámara hacia el lado izquierdo o hacia la derecha obre la cabeza del mismo)
el movimiento “tilt” la cabeza del trípode se mueve en ángulo para arriba y
para bajo, mientras que una persona con cámara al hombro puede imitar un
movimiento de trípode, por eso el mismo termino se le da al movimiento hecho
por una cámara en mano, el movimiento de “dolly” o rodaje de la cámara sobre
ruedas, se acerca o se aleja del sujeto o pasa alrededor, siguiendo los
movimientos del objeto, manteniendo el mismo campo visual también se puede
hacer con cámara en mano.
Movimientos de grúas o auto soportados, se le llama movimiento
de “boom” haciendo alusión a los micrófonos que se colocan sobre las personas.
Movimientos de lentes zoom, pueden alejar o acercar al sujeto,
mientras esos movimientos de zoom son similares al efecto de “dolly” de entrar
y salir, la profundidad de campo cambia con el lente de zoom, adicionalmente la
mayoría de los lentes de zoom, distorsionan
la imagen, utilizando un zoom altera la apariencia de la toma, un
acercamiento de zoom o de “dolly” a la cara del sujeto, pueden hacer la
expresión facial mas notoria.
Efecto como la cámara lenta, o tomas de tiempo, afectan la
forma como un evento es percibido por la audiencia, tomas de cámara lenta
filmadas a grandes cantidades de cuadros (frame rates) y reproducidas a
velocidad normal, pueden ser utilizadas para obtener un gran numero de
diferentes de respuestas y actualmente se utilizan en film de acción para
enfatizar una acción espectacular del héroe ejemplo un espartano saltando
dramáticamente al aire mientras con su arma va a golpear a su adversario, laso
de tiempo “time lapse” se crea tomando fotos fijas durante un largo periodo de tiempo
y luego son comprimidas en un periodo corto de tiempo, esto hace sentir a la
gente como que si el tiempo esta pasando rápidamente o puede simular una
dramática transición, un ejemplo común en las fases de la luna , que siguiere
al pasar rápidamente el paso del tiempo y los meses que pasaron en la historia.
Una de mis recomendaciones para aprender a controlar la
perspectiva de tu audiencia con la
cámara , es estudia otras grandes historia visuales que son similares a la tuya
y mirar como el cinemógrafo las hizo realidad, la mayoría de los géneros de películas
han revolucionado la manera como se filma actualmente, por ejemplo “stage
coach” para películas de viejo oeste,
“blade runner” para ciencia ficción y “die Hard” para películas de acción, estudiando este
tipo de películas, te puede ayudar a entender que tipo de toma se utilizaron
para mantener el ritmo en esta historias y te ayudara a hacer decisiones similares en tu proyecto,
por supuesto, no hay nada como la experiencia propia, así que debes practicar
mucho lo aprendido al ver esas producciones.
